櫻井八つ　YATTSU Sakurai

​

​

「自然物としての身体」が、文明や社会などの「非自然な環境」に適応しようとする時、そこには目に見えない摩擦が生じる。

そのズレを無意識に埋めようとする瞬間に現れる、虚無的な表情、不自然な動作、象徴的な要素やその歪んだ状態を観察し描き出す。

それらは、日常の視界すれすれの所で感じるものではあるが、作品では正面から提示する。

 

西表島の原生地域の経験は、表現と環境負荷の関係を問い直す契機となった。

その経験を経て辿り着いた日本画材という天然由来の素材を用いることは、単なる環境への配慮だけではなく、動物性の膠や貝、鉱石を砕いた岩絵具、有機物の混ざり合った土。かつて生命の一部であり、大地の結晶であった素材を、画面上で再び「身体」として再構築することで、描かれるモチーフの「不自然な歪み」をより鮮明に浮き彫りにする。

 

自然とは、単に奔放な曲線の連なりではない。

原子が規則正しく決まった順序で並んでできる直線や生命維持の為の曲線が存在する。

それ故、端正な線や形に自然を感じることができる。

何が自然で、何が不自然なのか。

その境界にこそ、私たちが今を生きる「身体のリアリティ」が宿っている。

 

​

When the "body as a natural object" attempts to adapt to "unnatural environments" such as civilization and society, invisible friction arises.

I observe and depict the emotionless expressions, unnatural movements, symbolic elements, and distorted states that appear in the moment when the body unconsciously tries to bridge this gap.

These are things that are felt just beyond our field of vision, but in my work, I present them head-on.

 

My experience in the pristine regions of Iriomote Island led me to the conflict between expression and environmental impact.

Using natural materials such as Japanese painting materials, which I arrived at after that experience, is not merely a consideration for the environment. By reconstructing what was once life and the crystals of the earth—animal-based "glue and shells," mineral-based "mineral pigments," and "soil," a mixture of minerals and organic matter—as a "body" on the canvas, I more vividly highlight the "unnatural distortions" of the depicted motifs.

 

Nature does not simply draw free curves.

 

There are straight lines formed by atoms arranging in a regular, fixed order, and curves necessary for the maintenance of life. Therefore, one can feel nature in refined lines and shapes.

 

What is natural, and what is unnatural?

 

I believe that it is in that boundary that the "reality of our bodies" as people living in the modern age resides.

​

--

1981 年 埼玉県生まれ 在住
2004 年 多摩美術大学造形表現学部デザイン科卒

2001 年 グループ展を歯切りに個展・グループ展・その他活動を続けている

​​

Graduated from Department of Communication Design, Tama Art University

1981 Born in Saitama, Japan

​​

​​

​--

​​

経緯

​

--

16 歳くらいから絵を描くことに意義を見出すようになりました。

美術予備校では基礎となる技術を学び、大学ではデザインを専攻しましたが、卒業後は絵を描く事を選び、様々な経験をしながら描き続けています。

その中でも 2006年に1年間八重山諸島にある西表島で過ごし島の自然を体感した事は、その後の制作と人生に影響を与えました。その影響のひとつとして、当時使用していた画材を見直しました。

描きやすく便利なアクリル絵の具で描いていたのですが、島の方に「絵の具の排水は、排水溝に流さないで土に捨てて欲しい」と言われ、衝撃を受けました。

目の前にある海へ排水はそのまま流れており、かつてジュゴンが民家近くの浜にもくるほど海は綺麗だった事を聞き、言われた通り土に捨てた所で土壌分解されるか分からない画材を無自覚に使用して、自然を敬いながら環境破壊活動をしている自分に気付かされました。

島から戻り罪悪感の少ない画材を探し、2010 年頃から地元の養蜂家から蜂蜜を絞り終えた「巣」を譲り受け、 自宅の庭で 3 日ほどかけて精製した「蜜蝋」を絵の具として使用しはじめました。同時期に、アトリエとして借りていた旧幼稚園で発掘した卒園証書や包装紙などの大量の古紙を漉き直し、作品に使用したのをきっかけにキャンバスからオリジナル再生紙を支持体とするようになりました。

​その後、2児出産・子育てをすることで、身体と環境との関係についてより深く考える機会を得て、2025年転機が訪れ、日本画の画材を使用し改めて学びはじめました。

25年以上描き続けている「身体」「自然」「不自然な歪み」が、実体験と日本画の画材（膠、岩絵具、土）の物質性とで、一本の線でつながり出したのではないかと思います。​

​

​

I began to find meaning in drawing around the age of 16.

I learned fundamental techniques at an art preparatory school and majored in design at university, but after graduation I chose to pursue drawing and have continued to draw while gaining various experiences.

Among these experiences, spending a year on Iriomote Island in the Yaeyama Islands in 2006 and experiencing the island's nature had a profound impact on my subsequent work and life. One of the impacts was a re-evaluation of the art materials I was using at the time.

I had been using acrylic paints, which were easy to work with and convenient, but I was shocked when a local resident told me, "Please don't pour the paint wastewater down the drain; throw it in the soil."

The wastewater was flowing directly into the sea right in front of me, and I learned that the sea used to be so clean that dugongs even came to the beach near the houses. I realized that I had been unknowingly using art materials that might not even decompose in the soil, and that I was contributing to environmental destruction while supposedly respecting nature.

 

After returning to my hometown from the island, I searched for art materials that would lessen my guilt.  2010, I acquired a beehive from a local beekeeper and began using beeswax, refined over three days in my garden, as paint.

Around the same time, while renting a former kindergarten as an art studio, I repurposed a large amount of old paper—graduation certificates, wrapping paper, etc.—that I found. This led me to remake the paper and use it in my artwork, transitioning from canvas to using original recycled paper as a support.

Later, giving birth to and raising two children gave me the opportunity to think more deeply about the relationship between the body and the environment. Then, in 2025, a turning point came, and I began to learn and use Japanese painting materials again.

I believe that the "body," "nature," and "unnatural distortions" that I have been depicting for over 25 years are now connected by a single thread, through my real-life experiences and the materiality of Japanese painting materials (animal glue, mineral pigments, and clay).